Por Nélio de Oliveira Costa

O filme “Statue And Liberty” do diretor, Gustavo Lucas, tem como cerne a contrastação da individualidade da raça humana. A “liberdade”, tema aqui representado pela movimentação de cada indivíduo, é valorizada mais ainda pela presença de uma figura, travada de costas, como se estivesse jogando “como está fica”, que tem uma movimentação e direcionamento limitados como uma “estátua”.

O curta mostra, na cidade de N.Y., como milhares de vidas tomam rumos e caminhos diferentes, sendo todas as vidas passantes pelas lentes de Gustavo Lucas, totalmente imprevisíveis, senão aquela da estátua, que seguramente seguirá ali, até o fim dos tempos.

Quiçá é uma alusão à apatia da sociedade, pois evidencia que aqueles, que levam a vida de maneira “estatual” terão sempre seu futuro bem determinado, enquanto aqueles que vivem livres têm a opção de olhar nos olhos de Deus, aqui representado pelo câmera.

O jogo de pontos de vista pode se concluir analisando que a estátua tem uma visão travada e segura, enquanto os assim ditos livres não sabem para onde vão, e caminham perdidos. Uma maneira, à lá oitava arte, de dizer: A vida que segue por trilhos é aparentemente limitada, mas todo aquele que tem um momento de luz irá, seguramente, ser uma locomotiva, pois para todo aquele que já viveu livre sabe que a melhor vivência é aquela que está na direção que os olhos, e o coração da estátua olham.

A decisão do autor de não usar animais nas filmagens também mostra a nossa posição como rolo compressor que esmaga a natureza. Sentimo-nos no direito de excluir a vida animal se quiséssemos, e ainda assim a vida seguiria como sempre, pois somos pessoas que vivem de rotina. Talvez esta claridez supracitada seja o ponto mais sutil e admirável do filme.

Gustavo… mandô bem, meu véio!

(Iron Maiden: Flight 666, 2009, EUA, 112 min.)

Por Gustavo Lucas

Em janeiro de 2008, os ingleses do Iron Maiden, uma das bandas de heavy metal mais famosas do mundo, deram início à turnê “Somewhere Back In Time”, a maior realizada por eles até hoje.

Nesta viagem, que é apenas a primeira parte desta turnê, foram 23 apresentações em 19 cidades ao redor do mundo durante 45 dias.

Os cineastas e fãs de carteirinha, Scott Macfayden e Sam Dunn acompanharam a banda e toda sua equipe a bordo de um personalizado Boeing 757, chamado “Air Force Eddie”, pilotado pelo próprio vocalista da banda, Bruce Dickinson.

Conhecidos por Documentários como “Heavy Metal: A Headbanger’s Journey” e “Global Metal”, os diretores tentam aproximar os fãs da banda, que apesar de ser uma das mais importantes do heavy metal, nunca ocupou um grande espaço nas rádios. 

Por meio de depoimentos dos membros da banda, produtores e alguns fãs, o espectador presencia todo o impacto que estes shows causam, independente do lugar onde estão, e também da raça e cor de seus seguidores.

Feito de fã para fã, passageiros de primeira viagem vão ter dificuldade de se situar devido a falta de legendas identificando as músicas e alguns entrevistados.

Já os metaleiros de plantão irão curtit cada minuto do filme que além das apresentações ao vivo, conta também com a participação de nomes famosos do gênero, como Lars Ulrich (baterista do Metallica), Kerry King (guitarrista do Slayer), Tom Morello (guitarrista do Rage Against The Machine e ex-Audioslave), e os integrantes do Sepultura em uma disputada partida de futebol em São Paulo.

(Julie Walking Home, 2002, Alemanha/Canadá/Polônia, 118 min.)

Por Gustavo Lucas

O filme “Voltando para Casa” (Julie Walking Home, 2002) é uma história sobre relacionamento e intolerância.

Carregado fortemente de apelos emocionais, principalmente nos momentos dramáticos da doença de Nick (Ryan Smith), filho da protagonista Julie (Miranda Otto), o filme é centrado nesta família e no trajeto que ela percorre até o reencontro da harmonia do lar.

Ao voltar de uma viagem com os filhos, Julie surpreende seu marido Henry (William Fichtner) tendo um caso. Na mesma hora, ela pega os filhos e se muda para a casa de seu pai, Mieczyslaw (Jerzy Nowak). Durante as discussões de separação entre Julie e Henry, seu filho Nick é diagnosticado com câncer, o que reaproxima o casal (mas não como era antes). Com a notícia de que o tratamento de Nick falha, Julie o leva para a Polônia a fim de ver um famoso curandeiro russo chamado Alexy (Lothaire Bluteau).

Neste momento, surge um conflito entre as famílias. Enquanto Henry é de família judaica e de formação cientifica (seu pai é médico e ele é biólogo), o pai de Julie é católico.

A diretora e roteirista polonesa Agnieszka Holland, de filmes como “O Jardim Secreto” (The Secret Garden, 1993) e, mais recentemente, “O Segredo de Beethoven” (Copying Beethoven, 2006), conduz a história com grande dramaticidade, desde o título: em inglês, Julie Walking Home tem o sentido de caminhar de volta para o lar, que sintetiza a sua jornada de retorno, desde o afastamento até a reaproximação, embora ela mal tenha saído fisicamente do mesmo. Ela assina o roteiro junto com os desconhecidos Roman Gren e Arlene Sarner.

O diretor de fotografia, Jacek Petrycki, que já havia trabalhado anteriormente com a diretora em “Filhos da Guerra” (Europa Europa, 1990), pega o clima nublado e frio do Canadá e, através de cores frias e tons azulados, cria um clima triste e amargurado onde o único refúgio é o próprio lar dos personagens, que possuem tons de cores quentes. Esta ultima característica também se deve à direção de arte de Ewa Skoczkowska e Marian Wihak, muito atuantes em produções para a televisão.

Os acontecimentos que marcam o filme acabam sendo catalisados pela interpretação dos atores, destacando a protagonista Miranda Otto, de “O Senhor dos Anéis: As Duas Torres” (The Lord of the Rings: The Two Towers, 2002) e “Guerra dos Mundos” (War of the Worlds, 2005), que nos apresenta uma Julie irriquieta por não se encaixar no ambiente em que está e pelos eventos ocorrentes que parecem fugir totalmente de seu controle; e Lothaire Bluteau (de séries de televisão como “24 Horas” e “Lei e Ordem”) no papel do curandeiro Alexy, que só pelos olhares já mostra ao espectador a pessoa ingênua e frágil que é. E com a montagem, de Christian Lonk, que soube aproveitar bem o uso de closes dos atores para realçar ainda mais as cargas emocionais de algumas cenas.

A música de Anton Gross (ou Antoni Lazarkiewicz) é elemento integrante da trama, tanto nas canções cantadas por Julie, como nas músicas instrumentais de fundo, ora intensificando o momento de uma cena, ora criando um distanciamento em outra. O uso da música durante a relação sexual de Julie e Alexy funde muito bem essas duas funções.

Ao tratar de temas polêmicos, como adultério, câncer e o próprio curandeirismo o filme fala, basicamente, da vida conjugal. Os altos e baixos enfrentados por Julie nesta jornada são verossímeis, talvez não tudo ao mesmo tempo, como no filme, mas não deixam de ser reais, o que pode agradar muitos espectadores, que irão se identificar com os acontecimentos pelos quais a protagonista passa e suas decisões.

(Paths of Glory; Guerra, 87 min; 1957; EUA; Direção: Stanley Kubrick; Produção: James B. Harris; Roteiro: Stanley Kubrick, Jim Thompson e Calder Willingham, baseado em livro de Humphrey Cobb; Música: Gerald Fried; Fotografia: Georg Krause; Direção de Arte: Ludwig Reiber; Edição: Tom Finan; Elenco: Kirk Douglas, Ralph Meeker, Adolphe Menjou, George Macready, Wayne Morris, Richard Anderson, Joe Turkel, Peter Capell, Kem Dibbs, Timothy Carey, Susanne Christian)

Por Gustavo Lucas

Glória Feita de Sangue é uma adaptação do livro homônimo de Humphrey Cobb, escrito em 1935, e um dos primeiros filmes do diretor norte-americano Stanley Kubrick, que já demonstra suas habilidades técnicas e originalidade em conduzir a narrativa.

O filme conta a história de um general que, durante a Primeira Guerra Mundial, em busca de uma condecoração, ordena que seja realizado um ataque às frentes inimigas, condenado a falhar. Durante a batalha, o general ordena que atirem nos soldados que estiverem recuando, obrigando-os a continuar. Com o fracasso da operação, o alto comando acusa três soldados por covardia e os leva à corte marcial pedindo a execução dos mesmos.

A maneira pela qual Kubrick retrata a visão dos generais em relação aos seus subordinados mostra claramente uma postura anti-bélica do diretor. Vale destacar duas cenas em que este aspecto fica claro: a primeira, o general Mirneau, interpretado pelo ator George Macready, para justificar seu pedido de execução, diz que a única prova de que não houve covardia dos soldados seriam seus corpos mortos nas trincheiras; e na outra, na qual o general Broulard, vivido pelo veterano ator Adolphe Menjou, diz que soldados são como crianças e precisam de disciplina e o jeito é fuzilar alguém para atingir tal objetivo.

O ator Kirk Douglas (que assina a produção do filme através de sua produtora Bryna Productions) faz o coronel Dax que se contrapõe à decisão do general Mirneau, mas é incapaz de evitar a execução dos soldados.

O filme privilegia o enfoque realista do sistema bélico e evidencia decisões que revelam a crueza e a insensatez da guerra.

Com grande conhecimento em fotografia e iluminação, Kubrick faz o contraponto entre os oficiais do alto escalão e os soldados, presente no roteiro, visível já na composição dos quadros e os movimentos de câmera.

A composição dos quadros é simples e eficiente. Os generais circulam por ambientes amplos e bem iluminados, em que eles aparecem espalhados pelo cenário e não possuem uma sombra muito marcante. Os soldados nas trincheiras, por sua vez, vivem em lugares pequenos e escuros, como os tetos são baixos a luz geralmente corta o personagem deixando parte de seu corpo no escuro. Provavelmente foram filmados com lentes de 25mm que dão uma impressão bem mais grandiosa a lugares abertos, no caso dos pequenos parecem extremamente apertados.

Já os movimentos de câmera, dentro desta relação generais x soldados, são similares, porém diferem justamente pela composição da cena. Enquanto em ambientes abertos à panorâmica junto de um plano aberto mostram a imensidão destes lugares, nos fechados, em plano médio, aumenta ainda mais a sensação claustrofóbica, com os personagens sobrepondo-se uns aos outros. A cena que, sutilmente, mais separa os generais dos soldados está na visita do general Mireau às trincheiras. Este travelling (característica presente em todas as obras do diretor) acompanha Mireau interagindo com as suas tropas, e durante o trajeto ocorrem algumas explosões ao lado no campo de batalha, e a única pessoa presente que se abaixa para se proteger é o general.

Diferente de praticamente todos os filmes americanos desta época, “Glória Feita de Sangue” não apresenta final feliz. Ele se preocupa em mostrar como uma guerra pode criar rapidamente monstros e vítimas, que vão ficando pelo caminho. No final, quando uma jovem alemã (interpretada por Susanne Christian) é forçada a cantar para os soldados em um bar, é bem representada a fragilidade emocional que a guerra causa, quando todos param de caçoar da moça e começam a acompanhar a canção murmurando e com lágrimas nos olhos. E, do lado de fora, o coronel Dax é avisado de que seus homens foram novamente chamados para o fronte. A canção transforma-se em marcha militar. A guerra não acabara. Isto é algo que enriquece ainda mais a postura política da história.

Apesar de possuir uma filmografia relativamente pequena, Stanley Kubrick se destaca em cada um de seus projetos por buscar novas formas de se contar uma história, e é neste filme que suas marcantes características começam a ser claramente vistas.

(Saawariya; 2007; Índia; Musical; 137 min. Direção: Sanjay Leela Bhansali; Produção: Sanjay Leela Bhansali & SPE Films Índia Pvt. Ltd; Roteiro: Prakash Kapadia e Sanjay Leela Bhansali, baseado em Noites Brancas de Fiodor Dostoievsky; Fotografia: Ravi K. Chandran; Direção de Arte: Omung Kumar Bhandula, Vanita Omung Kumar; Edição: Sanjay Leela Bhansali; Elenco: Ranbir Kapoor, Sonam Kapoor, Salman Khan, Rani Mukherjee; Zohra Sehgal)

Por Gustavo Lucas

Bollywood cada vez mais perto do ocidente

Bollywood é o nome dado à indústria cinematográfica de Mumbai na Índia, que realiza produções faladas em hindi. Longas durações (os filmes contam até com intervalos), músicas cativantes, cenários grandiosos, coreografias que remetem a vários estilos, roteiros melodramáticos que misturam idiomas nos diálogos como inglês, urdu e alguns dialetos regionais (uma forma de atingir um público cada vez maior) são as principais características dos seus filmes.

O diretor e roteirista Sanjay Leela Bhansali, conhecido por filmes como Black (2005) e Devdas (2002), não fugiu de nenhuma destas características ao escrever Saawariya – Apaixonados. Baseado no conto Noites Brancas de Dostoiévsky, somos apresentados a Ranbir Raj (Ranbir Kapoor), um jovem sonhador e ingênuo músico recém-chegado na cidade que acaba por se apaixonar por uma misteriosa moça chamada Sakina (Sonam Kapoor), que espera o retorno de seu amado. Raj conta com o apoio da prostituta Gulabji (Rani Mukherjee) e de Lillian (Zohra Sehgal), a velha senhora que aluga o quarto onde vive.

Os grandes destaques da produção são: a fotografia e iluminação, que fazem um belo contraste de claro e escuro, assim como o uso das cores; a direção de arte e cenografia, toda realizada em estúdio. A qualidade e o detalhe dos cenários são surpreendentes.

Os principais problemas da produção, para quem está tendo um primeiro contato com os filmes desta indústria, são a duração e o grande número de apresentações musicais, pois a história pode ser facilmente contada nos habituais 90 minutos do cinema ocidental, sem ser interrompida de 10 em 10 minutos para um número musical.

Mesmo com algumas características que diferem do cinema ocidental, os filmes de Bollywood estão sendo cada vez mais aceitos no ocidente, o que acaba atraindo cada vez mais capital, inclusive estrangeiro. Saawariya, por exemplo, é o primeiro filme co-produzido por um grande estúdio de Hollywood, a Columbia Pictures. Já existem produções que contam com parte de sua filmagem realizada em outros países como Estados Unidos, Canadá e, até mesmo, o Brasil.

(The Public Enemy; 1931; EUA; Policial; 84 min; Direção: William A. Wellman; Produção: Darryl F. Zanuck; Roteiro: Harvey F. Thew, baseado em estória de Kubec Glasmon e John Bright; Edição: Edward M. McDermott; Estúdio e distribuição: Warner Bros; Elenco: James Cagney, Jean Harlow, Edward Woods, Donald Cook, Beryl Mercer, Murray Kinnel) 

Por Gustavo Lucas

Junto com “Alma no Lodo” (outra produção da Warner Bros, lançada poucos meses antes), “Inimigo Público” foi pioneiro de um gênero que veio a obter muito sucesso durante a Depressão americana (anos 30), o dos filmes de gângster.

Dirigido por William A. Wellman (de “Wings”, Oscar de melhor filme em 1928), “Inimigo Público” mostra a vida do criminoso Tom Powers (James Cagney), desde seus primeiros delitos ainda na infância, o relacionamento com a família, até sua morte prematura. O título do filme não remete diretamente ao protagonista, mas sim ao que ele representa para a sociedade, ou seja, uma ameaça.

A história começa em 1909, com Tom e seu amigo Matt Doyle praticando seus primeiros furtos para um homem conhecido como Putty Nose (Murray Kinnel) e seu relacionamento distante com o pai, um policial. Depois em 1915, eles são abandonados por Putty em meio a um assalto mal sucedido, o que os leva a saírem da vida de crimes por uns tempos. Mas quando a Lei Seca entra em vigor em 1920 – proibição da venda de bebidas alcoólicas que se estenderia até 1933 – Tom e Matt (Edward Woods) começam a contrabandear cerveja e, a partir de então, vão ficando cada vez mais ricos e influentes. 

O filme retrata bem a figura do criminoso inescrupuloso que viu na Lei Seca uma oportunidade de fazer dinheiro através de atividades legais, tornando-se assim uma grande ameaça para as autoridades.

E James Cagney foi uma excelente escolha para viver Tom Powers, fazendo do personagem uma pessoa totalmente impulsiva e imprevisível, como na cena do café da manhã, na qual ele “espreme” uma laranja na cara de sua namorada. O físico do ator também proporciona uma certa dinamicidade devido à sua estatura baixa, compondo o tipo baixinho nervoso.

Apesar de pioneiros, estes filmes não trazem nada de inovador em relação à técnica ou à narrativa do cinema da época, ainda mais nesse período de crise econômica, já que experimentações custam dinheiro e não garantem retorno financeiro. O crédito fica mesmo pelo assunto abordado e a centralização da história na figura de um criminoso.

O gênero gângster veio como uma alternativa do chefe de produção da Warner Bros, Darryl F. Zanuck, para contornar os problemas da Depressão. Eram produções baratas (filmadas em estúdio, sem muitos movimentos de câmera, contando com apenas um ator de destaque, entre outras coisas) que mantinham o estúdio longe da falência e obtendo lucro. O mais interessante é ver como o roteiro respeita o Código Hays, que consta de uma lista de coisas que não deviam aparecer em um filme (como, por exemplo, mostrar cenas de crimes) para que grupos conservadores e religiosos não organizassem boicotes às produções.

(El Orfanato, Suspense, México/Espanha, 2007)

Direção: Juan Antonio Bayona; Roteiro: Sergio G. Sánchez; Produção: Álvaro Augustin, Joaquín Padro, Mar Targarona e Guillermo del Toro; Música: Fernando Velázquez; Fotografia: Óscar Faura; Direção de Arte: Iñigo Navarro; Edição: Elena Ruiz; Elenco: Belén Rueda, Fernando Cayo, Roger Príncep, Mabel Rivera, Montserrat Carulla, Andrés Gertrúdix, Edgar Vivar. 

Por Gustavo Lucas

O que me levou a assistir “O Orfanato” foi o nome do diretor mexicano Guillermo Del Toro nos créditos da produção. Pensei que seu envolvimento traria ao filme elementos que me agradaram muito em seu último trabalho, “O Labirinto do Fauno” (2006), tais como roteiro, direção de arte e fotografia. Infelizmente, isso não aconteceu. Porém, tive uma curiosa surpresa ao longo do filme, que valeu o ingresso.

“O Orfanato” conta a história de Laura, uma mulher que decide comprar um casarão que funcionava como orfanato, o mesmo em que ela viveu quando criança, e lá fundar uma espécie de orfanato-escola para crianças com algum tipo de deficiência. Junto dela, estão seu marido Carlos e o filho Simón. Nos primeiros dias da mudança, Simón começa a falar muito sobre seus novos “amigos imaginários”, nada que preocupe muito seus pais até a hora em que ele simplesmente desaparece sem deixar vestígios. A partir daí, Laura começa a acreditar que ele foi levado pelos mesmos “amigos imaginários” dos quais ele tanto falava, que agora acredita serem fantasmas.

Esta pode parecer uma história familiar para o espectador, talvez porque lembre filmes como “O Sexto Sentido” (1999) e “Os Outros” (2001), principalmente o último, pois possuem vários fatores em comum, como um casarão mal-assombrado, “crianças-fantasmas” e uma mãe como protagonista. Essas semelhanças com outras produções não podem ser consideradas como pontos fracos se o objetivo é  mostrar uma nova visão sobre o tema. Aqui, o diretor Juan Antonio Bayona não nos traz nada de diferente de outras produções, nada que destaque o filme no meio de tantos.

O único aspecto técnico que merece mais destaque é a trilha sonora composta por Fernando Velázquez, que usa de melodias que remetem a músicas infantis mas tocadas de forma lenta e em registro mais grave.

No elenco, vale destacar a ponta realizada por Geraldine Chaplin (filha de Charles Chaplin), como uma médium que faz uma espécie de reconhecimento no casarão, uma das melhores seqüências do filme. E não posso deixar de lado Edgar Vivar, a minha maior surpresa no filme. Para quem não sabe, Edgar é muito famoso aqui no Brasil devido a um outro personagem que fez na televisão. Ele é o Sr. Barriga da série de televisão Chaves, que está no ar há mais de 20 anos no SBT. Seu papel, no filme, não é de destaque mas me agradou muito ver o ator atualmente, em um papel sério, bem diferente da série.

No fim, “O Orfanato” é apenas um filme de suspense sobrenatural sem nenhuma novidade. Para fãs do estilo, deve agradar. Ou, pelo menos, você pode ver um trabalho recente do Sr. Barriga.

Por Claudio Prandoni

Confesso que filmes com premissas musicais me atiçam a curiosidade. Foi assim com Não Estou Lá e aconteceu o mesmo com Across The Universe. Apesar de o filme ter estreado no final do ano passado em alguns cinemas do circuito nacional, ele passou totalmente batido por mim. Só fui saber da existência dele por ocasião de um amigo que citou que gostaria muito de ver o filme “todo baseado em músicas do Beatles”.

Ele estava em exibição no CinePosto 4, em Santos, e praticamente no mesmo dia fomos assistir. Não li críticas ou conferi trailers antes de ir – apenas vi o pôster, bem bacana por sinal, e uma breve sinopse que fala de um casal apaixonado, anos 60 e músicas dos Beatles. Ou algo assim.

De fato, o roteiro vai bem por aí: somos apresentados a Jude, um rapaz britânico que não se importa muito com o futuro. Tem uma namorada a qual cativa com canções melosas dos garotos de Liverpool – aliás, cidade natal dele – e a vontade de conhecer o pai, um norte-americano que engravidou a mãe dele durante a II Guerra e os abandonou quando o rapaz ainda era “um pãozinho no forno”, segundo palavras do próprio guri.

Do outro lado do ringue está Lucy, uma bela americana loirinha de olhinhos azuis e apaixonadinha por um recruta do Exército. Uma graça. A perfeita representação do sonho americano. Ela passa os dias andando de bicicleta, estudando equações de segundo grau, escrevendo cartinhas açucaradas e contemplando a foto do futuro marido/pai de família o qual ela desposará.

Enfim. Eventualmente, tudo vira de ponta cabeça – habilidade marcante da década de 60 – e os dois acabam se trombando em Nova Iorque, se apaixonam e vivem uma tórrida e cativante relação amorosa.

Eles não estão sozinhos. A turma principal também conta com Max, irmão de Lucy que abandona a Universidade de Princeton e esbanja a grana da família vivendo loucamente na Grande Maçã junto com Jude. No mesmo apartamento estão: Sadie, dona do lugar, habilidosa cantora de boate e uma espécie de sedutora madura (vulgo eufemismo para quarentona); Prudence, uma mestiça oriental bissexual com crises pesadas de carência e Jojo, um guitarrista de mão e cheia e desempregado.

O entrecho oscila habilmente entre drama social e romances frívolos, com excertos marcantes de puro ácido, seqüências de nonsense e desequelíbrio absoluto. Ficção se entrelaça a História factual de maneira convincente e envolvente – alguns elementos de fato mesclam realidade e ficção, como Jojo e Sadie, que representam Jimmy Hendrix e Janis Joplin – ainda que por vezes o ritmo possa ser demasiado lento e fatigante.

Ok, agora a grande estrela: as músicas dos Beatles. São um total de 34 canções representadas diretamente na película, seja em pequenos trechos ou em versões arrojadas e elaboradas. Claro, há também uma miríade de referências visuais à cultura Beatlemania as quais os aficionados pelo quarteto vão se regozijar procurando – e os apenas curiosos vão checar no Wikipedia.

O legal é que elas não figuram como meros adornos: o enredo em si segue o que a música diz. Geralmente à risca. O efeito colateral é que Across The Universe ganha em alguns momentos um aspecto de colcha de retalhos. Por vezes a progressão da história beira a aleatoriedade em nome da fidelidade às letras das canções, mas mesmo assim o fato confere um sabor delicioso ao filme. Posso estar me repetindo, mas assim como em Não Estou Lá a presença musical confere uma atmosfera especial, indefinível, de certa maneira etérea ao filme. Não é algo denso e indecifrável como em Bob Dylan. Pende, obviamente, para a alegria latente dos garotos de Liverpool.

Permita-me ousar: roteiro explicado e estabelecida a conexão com os Beatles pelos laços musicais e referenciais, afirmo que a própria história soa como uma analogia à carreira do grupo. Tudo começa de maneira simples, alegre e irresponsável – a seqüência na qual Jude conhece Max é prova máxima disso, repleta de patetices. Porém, o desenrolar segue o mesmo caminho trilhado pelos músicos, com sua fase psicodélica e viajante (que me lembra Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band) e um clímax e desfecho notavelmente melancólico, introspectivo, mas ao mesmo tempo ainda apaixonado.

Por todas estas características, Across The Universe cativa a despeito do desempenho apenas mediano do jovem elenco. Talvez por conta da própria proposta de filme, fico com a impressão de que as atuações são exageradas demais. Ao menos, o casal principal, vivido por Jim Sturgess e Evan Rachel Wood, parece dosar melhor as emoções e mostra uma química legal na tela. É aquele tipo de casal pelo qual você torce para que fiquem juntos ao final.

Pontualmente, há surpresas no elenco. Na parte psicodélica, temos Bono Vox (isso, o cara do U2) fazendo um escritor-cantor-bicho-grilo que na verdade parece representar o que o próprio Bono significa quando em palco: um ótimo intérprete de canções (aqui uma bela versão de “I Am the Walrus”)que postula uma espécie de compreensão superior (e em outro plano da sociedade). De chapéu de cowboy. Ah, também barba e bigode e uma atuação breve porém tão boa que faz você pensar por que ele não aparece em mais filmes.

Salma Hayek também aparece, mas a participação é tão efêmera e inútil que só cito pelo fato dela ser famosa. Muita gente pode procurar por ela enquanto assiste: ela é a enfermeira que aparece clonada digitalmente quando toca “Happiness is a Warm Gun”. Muito mais proveitosa é a contribuição do pouco conhecido comediante Eddie Izzard como o excêntrico Mr. Kite – obviamente, quando tocam “Being for the Benefit of Mr. Kite!”.

O belo trabalho de direção é responsabilidade de Julie Taymor, diretora de poucas obras, mas competência extrema, tendo como expoentes o excelente Frida, de 2002, e o musical baseado no desenho animado O Rei Leão.

Across the Universe é um filme ousado como pouco se vê por conta da sua proposta inusitada. Curiosamente, vem ladeado pelo excelente Não Estou Lá. Entre os dois sou mais o último citado, mas ultimamente em decorrência da ousadia ainda maior na construção do roteiro. Across the Universe opta por uma narrativa tradicional sedimentada numa premissa criativa – o que por si só já vale uma assistida na minha opinião, seja você fã ou não dos Beatles. Para os apaixonados pelo grupo é uma obrigacão, não tanto pelo valor cultural, mas pela verdadeira ode que o filme é.

(Across The Universe, 2007, Estados Unidos)

Direção: Julie Taymor
Roteiro: Dick Clement,Ian La Frenais
Elenco: Evan Rachel Wood, Jim Sturgess, Joe Anderson,Dana Fuchs, Martin Luther McCoy, T.V. Carpio, Salma Hayek, Eddie Izzard, Bono Vox

Por Claudio Prandoni

“Homem casado, poeta, cantor, compositor, guardião, porteiro…”

Bob Dylan é de tudo um pouco, ou ao menos é o que ele clama – essa frase aí em cima é dele numa entrevista pra revista Rolling Stone em 1969. Essa é também a presunção e êxito de Não Estou Lá, obra do diretor Todd Haynes fermentada por ele durante quase dez anos.

Com a mesma ingenuidade e magnificência da personalidade de Dylan, o longa-metragem é denso, psicodélico, apaixonante e desconfortável. E mais um pouco. Faltam adjetivos para traduzir com precisão (se é que isso é possível) a atmosfera um tanto quanto inebriante de Não Estou Lá.

A premissa é inteligente: uma reimaginação fragmentada da vida do músico, mostrando seus diversos momentos na carreira por meio de seis personagens distintos. A execução suplanta qualquer expectativa e previsibilidade.

Dylan diz que aceita o caos, mas não tem lá muita certeza se a recíproca é verdadeira. Para Todd Haynes ela é de uma forma desconcertante e magistral. O sexteto de figuras protagoniza sete histórias distintas, todas entrelaçadas. Porém, não de maneira lógica e cronológica – ao menos na maioria do tempo.

O entrecho faz flashbacks em flashbacks, salta à frente no tempo, pausa, retrocede, avança em câmera lenta, dá piruetas e saltos no ar sem a menor cerimônia. O conceito de “é um passeio numa montanha-russa” é batido, mas pode se aplicar aqui.

Não, não. Alto lá.

Estamos falando de Bob Dylan e um filme que consegue – nem que seja em parte – ser tão estranho quanto. Não Estou Lá é um passeio numa montanha-russa em câmera lenta e sem barra de segurança. Melhor assim. Gostei.

É difícil se situar. É difícil acompanhar as tramas e estabelecer relações entre elas. É quase como um jogo, mas aí que reside parte do encanto.

Cada faceta de Dylan é saborosamente representada por atores competência tremenda. Dentre eles, Cate Blanchett é quem dá as cartas, representando o Dylan mais icônico: o afetado rebelde do final dos anos 60, com cabelos desgrenhados, idéias torpes e recém-adepto de instrumentos eletrônicos e barulheira de guitarra. Praticamente um traidor do próprio ídolo folk que criara anos antes, vivido aqui por Christian Bale (o Batman!), numa performance cuidadosamente nervosa, envolvente.

Não que os demais fiquem devendo: o garoto Marcus Carl Franklin faz mais do que poderia se esperar de alguém jovem como ele, Richard Gere se encaixa perfeitamente e sem esforço ao Dylan country que faz e Heath Ledger e Ben Wishaw sobram para as funções designadas, a saber, esposo pop ausente e poeta controverso. Mas Blanchett e Bale se sobressaem, conferindo personalidades vibrantes às porções de Dylan que lhe couberam. Fantásticos.

Obviamente, a trilha sonora é regada a sucessos do cantor. Regada não. Permitam-me retificar novamente: encharcada, ensopada, curtida em composições das mais variadas. Somos apresentados a um leque quase infindável de estilos, ritmos e letras. Um dinâmico caleidoscópio que reflete a personalidade polivalente do artista. Mas não se trata de uma seleção aleatória, dentre um equilíbrio entre faixas famosas e obscuras (acredite, há mais do que o bastante dos dois sabores), as músicas combinam e fortalecem os momentos dramáticos da película. Uma combinação difícil de resistir. Uma trilha sonora bem escolhida pode ser determinante para a carga dramática de um filme, associar competência neste quesito aos momentos marcantes da biografia picotada e condensada e o clima etéreo e letras viajantes de Dylan é praticamente entorpecedor. Pode-se não entender absolutamente nada, mas a sensação que predomina é cativante.

Em tempo: a trilha sonora é composta por covers competentes de obras de Dylan. Boa parte é de responsabilidade de nomes famosos como Sonic Youth e Jack Johnson, e apenas uma é gravação original de Bob: a faixa que dá nome à película, numa versão rara (diz-se única), gravada em 1967.

Não vou mentir nem dourar demais a pílula: Não Estou Lá tem seus momentos enfadonhos. Por vezes, o ritmo é demasiado lento e cansa. Ademais, a seleção musical pode nem sempre agradar (não é todo mundo que vai se empolgar com música folk hoje em dia, né). Por fim, o caos fragmentado do roteiro pode ser confuso demais. Quem procura por um punhado de diversão passiva, por assim dizer, que deseja apenas sentar e acompanhar uma história não vai curtir muito. Não Estou Lá é praticamente um quebra-cabeça, uma obra interativa que lhe permite construir diversos sentidos a partir do que lhe é oferecido. Não há resposta certa ou errada, mas as peças estão lá para juntar.

Antes que eu me esqueça: o trabalho de fotografia segue o mesmo nível de qualidade. Tal qual a trilha, se transmuta e adapta ao Dylan em questão. Por vezes temos cenários coloridos e vibrantes, cortados sem dó nem piedade logo em seguida por tomadas totalmente em preto-e-branco, com enfoques e ângulos fechados desinibidos. Curioso que esse tipo de variedade se aplica também à própria percepção de mundo que nos é apresentada. Fiquei especialmente marcado por um trecho que exibe Jude Quinn, o Dylan de Blanchett, às estripulias com um quarteto que claramente alude aos Beatles. São poucos segundos, mas o humor e surrealismo escrachado da cena sintetizam este tipo de visão específica sobre o músico. Claro, as outras possuem suas peculiaridades, mas os segmentos de Blanchett são os principais, mais marcantes e contundentes.

Não Estou Lá é ousado, pesado, intrigante e complicado. Não é unanimidade, muito menos uma biografia tradicional. É uma visão inusitada de Dylan que consegue captar de forma marcante o período que compreende a ascenção e consolidação do ídolo que ele é até hoje. Pela forma de narrativa exótica e brilhantismo nas interpretações, Não Estou Lá parece destinado a se converter num clássico cult sobre cultura pop. Uma denominação um tanto quanto controversa, mas que convém. Afinal, traduz sucintamente o que é Bob Dylan.

(I’m Not There, Eua / Alemanha, 2007)

Direção: Todd Haynes
Roteiro: Todd Haynes,Oren Moverman
Elenco: Cate Blanchett, Richard Gere, Julianne Moore, Christian Bale, Heath Ledger, Michelle Williams, David Cross, Ben Whishaw, Benz Antoine, Bruce Greenwood, Charlotte Gainsbourg

Por Claudio Prandoni

Confesso que não tinha ouvido muito sobre este filme. Havia ouvido um zumzumzum sobre uma nova produção épica de Rolland Emmerich, com dinossauros coisa e tal. Dinossauros. Não tinha como dar errado.

Porém, como os estudantes de História e aficionados pelos lagartões devem ter sacado pelo título, não há dinossauros na película. Afinal, eles sumiram há mais ou menos 65 milhões de anos. Quase nada (tripa seca?)…

Ok. Decepção 1.

Vamos lá, não tem dinossauros, mas não é o fim do mundo. Na verdade é. Ao menos para a tal tribo dos Yagahl (a qual não consegui identificar de onde são). Toda temporada eles caçam mamutes. A economia destes homens primatas, capitalistas selvagens, gira em torno dos benditos mamutes. Você os mata, você é legal. Você não os mata, você é bobo. Você nem pode tentar matá-los é porque você é mulher ou criança. Simples assim.

A coisa fica feia quando os ventos anunciam a chegada de tempos tenebrosos por meio de uma linda garotinha de olhos azuis. Tem início aí uma lenda. Vulgo, primeiro clichê de uma série monstruosa.

Como faz em Independence Day, Rolland Emmerich desfila aqui uma miríade de idéias batidas. Porém, sem explosões. Ou aliens. Ou Will Smith. Ou dinossauros.

Para piorar, o período de tempo abordado é totalmente inapropriado para os clichês exibidos. Como assim amor platônico e fiel numa época em que homens conquistavam mulheres abatendo feras (e mamutes, nada de dinossauros) e eram adeptos da poligamia? Você quer que eu acredite nisso? Desculpe…

Isso. Decepção 2.

Além disso, o herói não possui carisma algum. Por conta da pataqüada do parágrafo aí de cima, ele acaba caindo, tropeçando e se ralando em todo tipo de armadilha pelo caminho. Calha que em muitas delas ele se enquadra numa série de mitos e profecias, que eventualmente levam ele a domar um tigre dente-de-sabre e liderar um exército monstruoso contra uma recriação assaz escalafobética e fashion dos egípcios.

Ah, no meio do caminho ele enfrenta também avestruzes mutantes (ninjas?) e fica sabendo da história do pai que fugiu mas na verdade não fugiu e é um mártir desconhecido. Anote aí, mais clichês.

Troféu cereja no topo do bolo: a ridícula homenagem (eu diria cópia descarada) do desfecho do confronto entre Xerxes e Leônidas em 300, só que aqui com um toque de limão. Ou seja, uma pequena, porém contundente diferença que tira absolutamente toda graça.

Decepção 3.

O manto de personagem bobo não cabe apenas ao protagonista. A mocinha indefesa serve apenas como mocinha indefesa e praticamente todos os outros membros da tribo Yagahl são por demais irritantes. O único que se salva é Tic Tic, guerreiro ancião da tribo e único personagem até agora do qual citei o nome – ele merece. Dono de honra e lógica imbatíveis, ajuda a conferir a certos excertos o tom épico e suntuoso que deveria perdurar durante toda a obra.

Mas devo dizer, as outras tribos são bacanas. Somos apresentados a um amplo leque de facções guerreiras (aparentemente africanas) com costumes, trejeitos e indumentárias típicas fascinantes e convincentes. Até mesmo a releitura espalhafatosa dos egípcios tem lá seus méritos por representar de maneira visual todo um pensamento preponderante daquela sociedade na época. O faraó sob véus é uma figura misteriosa e até certo ponto assustadora.

A produção é igualmente impecável. Locações mil, que vão de florestas densas a desertos áridos e montanhas gélidas. Figurinos de época detalhados (o que pode parecer estranho), mas que funcionam no que diz respeito a entreter – convencer é outro papo. As criaturas geradas por computação gráfica são magnificentes. Os mamutes trombam de maneira verossímil e os pêlos do tigre se encharcam e brilha com naturalidade. Rivalizam ferrenhamente com o leão Aslan, de As Crônicas de Nárnia.

Fato: no começo é possível distinguir algumas cenas com efeito de fundo verde mal aplicado, mas nada que comprometa (ainda mais) 10 000 A.C.

É trilha sonora é padrão, reforçando o tom épico, mas sem melodias marcantes – luxo executado de maneira magistral em O Senhor dos Anéis.

Obviamente não contarei o final aqui, mas como você já deve imaginar ele é previsível. Mesmo a suposta surpresa do clímax é clichê, batida, sem graça e premeditada lá pela metade do longa-metragem.

Pois é. Decepção… ah, já perdi a conta.

Confesso que saí do cinema com um vazio espiritual. Meio minuto depois, senti a sensação de desperdício. O filme é tecnicamente competente e os atores trabalham bem – ainda que os personagens não ajudem muito. Ou seja, 10 000 A.C. não é ruim, mas está longe, muito longe mesmo de ser bom. É apenas nada.

(10,000 B.C.)

Direção: Roland Emmerich
Roteiro: Roland Emmerich,Robert Rodat,Harald Kloser
Produção: Michael Wimer, Roland Emmerich
Elenco: Omar Sharif, Cliff Curtis, Steven Strait, Camilla Belle, Joel Fry, Tim Barlow
Música: Harald Kloser