Archive for the ‘Documentário’ Category

O Guru e os Guris (2)

9 novembro, 2017

A ESTÉTICA DO CINEMA NOVO EM “O GURU E OS GURIS”

Por Gustavo Lucas

O curta-metragem “O Guru e os Guris”, produzido em 1973 com roteiro e direção de Jairo Ferreira, e que tem como personagem central o coordenador do Clube de Cinema de Santos, Maurice Legeard, apresenta aspectos estéticos que permitem identificar padrões e ideais artísticos, bem como culturais, sociais e políticos, que distinguiam o pensamento dos associados daquela entidade.

O Clube de Cinema de Santos foi fundado em 1948, mas começou efetivamente em 1950, com a programação semanal de uma sessão aos sábados, com debate após a exibição do filme, muitas vezes com a presença de diretores e críticos. Foram realizados vários ciclos de cinema, mostrando a produção cinematográfica de vários países da Europa, e também do Japão. Na década de 1960, as sessões passaram a ser programadas a meia-noite, às quais se seguiam conversas informais em bares, durante a madrugada.

O curta “O Guru e os Guris”, produzido no ano em que o Clube de Cinema completava 25 anos, mostra esse ambiente, ao mostrar um desses encontros de Maurice com alguns de seus “chapinhas”, como gostava de chamar seus amigos. Mas, além disso, o filme apresenta vários outros aspectos que fornecem evidências suficientes para se extrair algumas reflexões de uma possível estética dominante no grupo.

Começamos então por destacar algumas das principais características técnicas e artísticas do filme:

1 – A câmera – grande parte do filme é feito com a câmera na mão, seguindo o personagem pela rua, subindo o Monte Serrat. Apenas algumas cenas como a do escritório, a da sessão infantil e a cena final do restaurante, a câmera é fixa.

2 – Abordagem da temática – o tema do filme é a influência ou liderança de Maurice Legeard sobre os afiliados e simpatizantes do Clube de Cinema, representados pelos “chapinhas” que formam o elenco, e que seriam os guris. Quanto ao texto, com exceção da cena final (restaurante), todas as falas são em off, com o personagem Maurice Legeard refletindo sobre as condições do cinema brasileiro, o papel do cineclube e a intelectualidade. As falas não seguem uma linearidade, tão pouco seguem um ordenamento lógico do pensamento. Embora seu tema fique claro ao final, o acompanhamento dessa fala funciona quase como um quebra-cabeça a ser montado. A sua posição de guru e os ideais de Maurice acabam sendo um indicador do pensamento dos demais. E isso se estende à estética abraçada por Maurice e seus “seguidores”. Entre eles, o próprio diretor do filme. Basta notar que o diretor – que é também o roteirista – insere suas próprias críticas de cinema entre as falas do personagem principal. Ao fazer isso, o diretor parece assumir sua condição de guri, de quem compartilha dos mesmos padrões estéticos de Maurice.

3 – As ilustrações – os créditos do filme são acompanhados de retratos de cada um dos técnicos responsável, em desenhos do ilustrador e “chapinha”, Miro (Argemiro Antunes). Com  traços irregulares, principalmente na grafia, e na junção do preto e do branco como forma de constituir os elementos, o que resultava numa quebra da visualização das ilustrações.

4 – A música – a cargo de Lélio Marcus Kolhy, a trilha sonora mistura sons eletrônicos, com valsas, marchinhas de carnaval, música épica, variação na velocidade de reprodução de gravações, e falas sobrepostas.

Juntas essas características apresentam uma grande semelhança com o movimento do Cinema Novo, fundamentado por Glauber Rocha – uma idéia na cabeça uma câmera na mão – que “significava não somente um repúdio estratégico ao esquema inviável de produção segundo o modelo Vera Cruz, mas também a única saída para a sobrevivência de um cinema autoral”.

Assim, a partir das dificuldades de financiamento, começou criar um gênero estético de produção cinematográfica.

“É do registro simples e direto do gesto e do ritmo de fala característico do brasileiro que está nascendo uma forma de construção dramática particular, adequada à nossa paisagem. Para filmar o homem brasileiro era necessário partir do zero, deixar de lado a idéia de que alguns acontecimentos não podem ser traduzidos numa linguagem artística, procurar a estética para o campo de concentração, a guerra, a violência, a fome. Uma recusa quase que em bloco de um cinema de ritual em favor de um cinema de reportagem, para descobrir o Brasil e ao mesmo tempo um estilo brasileiro. A imagem obtida com luz natural e câmara na mão, ao mesmo tempo uma exigência estética e de produção, foram as armas iniciais da luta. Eram recusadas as clássicas marcações para a posição da câmara, do ator, da iluminação artificial, em favor de uma tentativa de adaptação às condições do cenário natural.

O texto acima ilustra bem a ligação entre formas e conteúdos utilizados no movimento Cinema Novo. O texto de Arnaldo Jabor sobre o filme Deus e o Diabo na Terra do Sol (Glauber Rocha, 1964), publicado em 1994, apresenta também um raciocínio que confirma essa reflexão:

E aí o filme começou. Um plano aéreo do sertão de Cocorobó. Corte súbito para o olho morto de um boi roído de sol. Villa-Lobos na trilha. E caiu um silêncio sideral na sala. Todos os olhos estavam sendo feridos por imagens absolutamente novas. Como explicar isso? Não era apenas um bom filme que víamos. Nada. Era um país que nascia à nossa frente. Não um país que reconhecíamos como sendo, digamos, de Graciliano. Não. Era uma realidade desconhecida que começávamos a compreender. Ela esteve esboçada na literatura, em Os Sertões, em Rosa. Mas, “no olho”, era a primeira vez. Ela nos via. Ela nos incluía.

“Nós” éramos vistos por essa paisagem, “nós” éramos descobertos por esse mundo de secura e violência que aparecia na tela.Nós éramos arrancados das cadeiras, da paz de nossos papos ideológicos e atirados dentro do filme. Acabava ali a idéia de que a realidade era algo “fora” de nós.

A partir daquela noite, nós éramos personagens de um Brasil muito mais fundo do que nossa vã inexperiência de intelectuais. O filme invertia tudo sobre o Bem e o Mal. Disse-me Roberto Ventura que em Os Sertões, pela primeira vez, o miserável era colocado em posição de sujeito heróico em nossa história. Em Deus e o Diabo estava ali o herói miserável, mas também o matador não era vilão. Antonio das Mortes era tocado de funda dor e do desejo de exterminar a miséria. Bons e maus andavam num deserto metafísico e shakespeareano em pleno Nordeste.”

Tais indícios mostram com bastante clareza, que a estética cinematográfica dominante entre o círculo de associados e simpatizantes do Clube de Cinema de Santos, pelo menos os mais próximos a Maurice Legeard, apresentava pensamentos e preocupações temáticas do Cinema Novo, como se pode observar no curta “O Guru e os Guris”.

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O Guru e os Guris (1)

9 novembro, 2017

O OUTRO GURU DOS GURIS

Por Gustavo Lucas

Entre os vários pontos que estabelecem vínculos entre cinema e psicanálise, um dos mais interessantes é a ocultação de elementos, seja um personagem, um fato, um objeto. Aquilo que não se mostra, mas é sugerido pela imagem. Na linguagem da psicanálise, este elemento é conhecido como o “Outro”. “Uma dimensão exigida de que a fala se afirme em verdade”, segundo Jacques Lacan. O Outro revela-se pela linguagem, pelas lacunas da fala através das quais se pode detectar ou descobrir a causa oculta que motiva o sujeito.

Essa visão “lacaniana”, concepção teórica desenvolvida por Lacan em sua interpretação das idéias de Freud, pode ser aplicada para entender o ambiente ideológico do grupo de intelectuais e simpatizantes de cinema que se reuniam em torno do Clube de Cinema de Santos, no período que vai da década de 1950 à década de 1970, a partir do documentário “O Guru e os Guris”

O filme tem como personagem central o coordenador do Clube de Cinema de Santos, Maurice Legeard, e o tema, como sugere o título, é a influência ou liderança desse personagem sobre os afiliados e simpatizantes da associação, representados pelos “chapinhas” que formam o elenco. “Chapinha”, diminutivo da tradicional expressão “meu chapa”, é o termo usado por Maurice Legeard ao se referir aos seus amigos durante uma conversa.

Guru, termo originário do sânscrito, refere-se à sombra (gu) e a luz (ru). Na tradição indiana, é o indivíduo que, dotado de grande conhecimento e sabedoria, orienta as pessoas na busca da verdade, aquele que ilumina o caminho. Implica uma relação de professor e aluno. No Ocidente, a expressão é utilizada para indicar, com reverência, aqueles que exercem grande influência, geralmente filosófica ou religiosa, mesmo sem estarem afiliados a instituições como igrejas ou escolas. Guri, que vem do guarani, quer dizer menino, criança.

O título do filme faz uso de um interessante trocadilho que aponta para uma relação professor/aluno entre Maurice Legeard e os chapinhas (além de outros que estes representam).

Podemos resumir as situações em que o filme exibe o relacionamento entre o guru e os guris em alguns ambientes e cenas:

  • Introdução – vários takes de Maurice Legeard e duas falas (uma sobre a falta de percepção das pessoas, outra sobre a ação do Clube de Cinema). Seguem os créditos do filme
  • Caracterização do Guru – Maurice fala das condições do cinema no Brasil, e das diferenças com as condições na França. Afirma que é necessário criar “o absurdo do absurdo”, algo como radicalizar o absurdo ao qual as coisas haviam chegado. Mostra seu ambiente de trabalho, pontuado pela exibição de alguns artigos críticos do diretor (Jairo Ferreira).
  • O Guru e os Guris (meninos) – programação de uma sessão infantil com o filme Vampiro de Dreyer. A audiência infantil agride Maurice, atirando nele pipoca e chicletes. Crítica ao cinema infantil americano (Walt Disney)
  • Queimando o filme – Maurice sobe ao Monte Serrat, junto com um chapinha, e fala do desconhecimento dos brasileiros sobre o cinema brasileiro. Critica autores da vanguarda cinematográfica (Goddard, Buñuel, Fellini etc.). Critica e contrapõe Walter Hugo Khouri a Mazzaroppi e outros cineastas menos considerados. Volta a questão do “absurdo do absurdo”.
  • O Guru e os Guris (chapinhas) – em torno de uma mesa de bar (Restaurante Ponderosa, em Santos), Maurice discorre com alguns chapinhas, sobre a postura do pessoal de cinema, afirmando que “o problema do cinema brasileiro é Terra em Transe, Deus e o Diabo.”

A narrativa cinematográfica e a evolução do texto, finalizando com a declaração sobre filmes de Glauber Rocha, oferecem uma pista para desvendar a condição de Maurice Legeard, nessa posição de guru em que é colocado.

Mas para isso, é preciso considerar que, se o guru é uma das modalidades em que se manifesta a figura do Outro, como elemento necessário à compreensão do mundo, esse processo de assimilação da realidade retrocede automaticamente na corrente histórica, quando se encarna em uma pessoa (no caso Maurice) a figura do guru. Pois se essa figura coincide com um ser humano específico, faz surgir a questão de qual será o modelo seguido como exemplo por esse guru. Ou seja, quem seria o guru do guru, o outro guru por trás deste guru. Nesse sentido, o filme nos leva a deduzir que o guru oculto sob a fala e a postura de Maurice Legeard é o cineasta Glauber Rocha, com toda a sua crença cultural e política.

A conclusão parece ser confirmada pelo cineasta Arnaldo Jabor, em artigo sobre o filme “Deus e o Diabo na Terra do Sol”, escrito para a Folha de São Paulo em 1994.

Refletindo sobre o momento da exibição do filme, trinta anos antes, Jabor começa dizendo que “às oito e meia da noite de 16 de março de 1964 eu não sabia que minha vida ia mudar. Às nove horas ia passar pela primeira vez no Brasil o filme Deus e o Diabo na Terra do Sol, de Glauber Rocha.” Após caracterizar o momento histórico, as condições políticas, as expectativas sociais e os padrões estéticos da intelectualidade da época, ele fala da reação dos cineastas ao filme.

“Olhei para trás quando as imagens finais do filme brilhavam, sob o som de Villa-Lobos. Vianinha estava em pé na cadeira do cinema e pulava de euforia. As pessoas estavam pálidas da luz final como diante de fantasmas. Os cineastas entraram em pânico. O rio tinha mudado de curso. Quem partira para fazer filmes veristas, filhos do neo-realismo fora pegado pelo raio de um cinema épico, me disse trinta nos depois Cacá Diegues. Joaquim Pedro falava em rasgar o roteiro de O Padre e a Moça. Ruy Guerra terminava a montagem de Os Fuzis e começou a mexer em tudo, ficou meses na moviola.”

O texto é bastante competente ao mostrar a força e o impacto da obra e da postura de Glauber. “A esquerda tinha errado por muitos anos. Nossos dias estavam contados. A importância de Glauber na reforma de pensamento da esquerda do país é maior que se pensa.(…) Glauber tinha feito uma revolução dentro da revolução. Trinta anos depois daquela noite… vemos hoje que a idéia de processo e de diferença continua inapreensível como uma asa”  E Jabor finaliza o artigo dizendo que “precisamos de um novo filme como Deus e o Diabo na Terra do Sol. Aluguem em vídeo e vejam o que era o futuro.”

Se atentarmos para o fato de que “O Guru e os Guris” foi realizado nove anos após esse fato histórico, e cinco anos após as restrições políticas impostas pelo Ato Institucional n. 5, de 1968, fica mais evidente a força do pensamento de Glauber Rocha na formação de Maurice Legeard, e na conseqüente transmissão de valores para os seus chapinhas.

E aqui cabe uma última questão, sobre a objetividade/subjetividade: da posição dos chapinhas na condição de guris, orientados pelo guru Maurice Legeard. Como o filme tem o roteiro do próprio diretor, Jairo Ferreira, resta considerar sobre o seu envolvimento com o assunto.

Voltamos então ao segundo aspecto do resumo do filme acima, quando, ao caracterizar o guru Maurice, o diretor Jairo insere suas próprias críticas de cinema entre as falas do personagem. Ao se incorporar desta forma à ação fílmica, o diretor parece assumir também a condição de guri ou, ainda, de quem compartilha os mesmos ideais do guru Glauber oculto sob o personagem do guru Maurice.

Iron Maiden: Voo 666

16 junho, 2009

Flight 666_NL_1.1

(Iron Maiden: Flight 666, 2009, EUA, 112 min.)

Por Gustavo Lucas

Em janeiro de 2008, os ingleses do Iron Maiden, uma das bandas de heavy metal mais famosas do mundo, deram início à turnê “Somewhere Back In Time”, a maior realizada por eles até hoje.

Nesta viagem, que é apenas a primeira parte desta turnê, foram 23 apresentações em 19 cidades ao redor do mundo durante 45 dias.

Os cineastas e fãs de carteirinha, Scott Macfayden e Sam Dunn acompanharam a banda e toda sua equipe a bordo de um personalizado Boeing 757, chamado “Air Force Eddie”, pilotado pelo próprio vocalista da banda, Bruce Dickinson.

Conhecidos por Documentários como “Heavy Metal: A Headbanger’s Journey” e “Global Metal”, os diretores tentam aproximar os fãs da banda, que apesar de ser uma das mais importantes do heavy metal, nunca ocupou um grande espaço nas rádios. 

Por meio de depoimentos dos membros da banda, produtores e alguns fãs, o espectador presencia todo o impacto que estes shows causam, independente do lugar onde estão, e também da raça e cor de seus seguidores.

Feito de fã para fã, passageiros de primeira viagem vão ter dificuldade de se situar devido a falta de legendas identificando as músicas e alguns entrevistados.

Já os metaleiros de plantão irão curtit cada minuto do filme que além das apresentações ao vivo, conta também com a participação de nomes famosos do gênero, como Lars Ulrich (baterista do Metallica), Kerry King (guitarrista do Slayer), Tom Morello (guitarrista do Rage Against The Machine e ex-Audioslave), e os integrantes do Sepultura em uma disputada partida de futebol em São Paulo.